Obras en video Diego Lama

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Duración Total: 60’

Mi obra nace partir de la exploración de los aspectos más incisivos de la condición humana. La articulación entre el placer y dolor es la base de la temática que he venido trabajando en mi obra desde los inicios de mi carrera, en donde la confrontación entre Eros y Tanatos es protagonista de la narrativa de mis videos.

Utilizando diversas referencias, como la obra de Sigmund Freud “El malestar en la cultura”, planteo una reflexión acerca de la dicotomía entre los impulsos primarios y las restricciones impuestas por la cultura, en donde esta intenta establecer convenciones sociales cada vez mayores, restringiendo el desarrollo y la satisfacción de los impulsos sexuales y agresivos, convirtiéndolos en sentimiento de culpa.

Mi obra conformada principalmente por video, registra de manera directa las acciones de los protagonistas a manera de retratos, los cuales son subvertidos con un elemento externo para crear una ruptura en el significado y el significante. La utilización de recursos como el cine, el teatro y la danza, y su hibridación a través de la edición, me ha permitido una exploración del lenguaje de manera empírica para lograr resultados aproximados al lenguaje pictórico.

Con el propósito de crear distintos grados de complicidad con el espectador, me interesa explorar continuamente con diversos formatos en mis obras, desde proyecciones de gran superficie hasta pantallas de pequeñas dimensiones, permitiéndome experimentar con la composición y tomar distancia del lenguaje cinematográfico académico. Esta complicidad con el espectador se genera tanto gracias a la intimidad de los formatos pequeños, como también por lo avasallador de los formatos más amplios. Diego Lama

Schizo Uncopyrighted
Perú, 2001
5:54’, video digital SD

No-Latin Party
Perú, 2003
2:16’, video digital SD

La muerte de Eros
Perú, 2003
22:25’, video digital SD

Chimaera
Perú, 2004
10:05’, video digital SD

Tríptico
Perú, 2006
4:30’, video digital SD

Parricidio
Perú, 2007
5:39’, video digital SD

Desnudo bajando las escaleras
Perú, 2007
3:11’, video digital SD

The Act
Perú, 2011
3:36’, video digital SD

Schadenfreude
Perú, 2012
3:00’, video digital SD

Intervening the Frame. Un homenaje al legado cinematográfico de Joyce Wieland Curado por Guillermina Buzio

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Duración total: 59’

Joyce Wieland (1931-1998) es una figura clave en la historia del arte contemporáneo canadiense e internacional. Fue pionera en forma y contenido, sus obras definieron nuevos caminos de ver y hablar sobre lo político, lo ambiental, el mundo del arte, el feminismo y la identidad canadiense, en un determinado momento histórico. En Intervening the frame he curado diez cortometrajes en dos programas que ejemplifican las preocupaciones intelectuales de Wieland, focalizando sobre su mirada estética.

Si bien los films de Wieland abarcan una amplia variedad de temas y técnicas, todos revelan el ojo de una pintora. Sus films son pictóricos, altamente consientes de sí mismos, de la materialidad y posibilidades del medio.

El ritmo de Wieland es característico de alguien que mira los detalles y permite un espacio para una revelación lenta. Su composición, si bien rústica e intuitiva, revela una profunda sensibilidad a la luz y la línea.

Lo que es excepcional de Wieland es cómo mantiene su sensibilidad por el dibujo mientras se concentra en la experiencia política y femenina. Incorpora lo personal a sus películas y revela su presencia y ausencia como mujer y cineasta, física y conceptualmente. En estos programas, hago hincapié en tres características que exhibe su estilo pictórico y sensibilidad política: el ritmo de la naturaleza muerta en el film, el uso que hace del retrato y la ironía.

Sailboat, 1933 y Cat food son cortometrajes que nos dejan observar la imagen en su más amplio detalle: transformándose en naturaleza muerta cinematográfica.

El ritmo de los encuadres le otorga al espectador un tiempo extenso para hacer foco en lo pictórico, las líneas, los colores y la composición general, más que en la cronología de la acción. Los trabajos son así formalistas. Esto también se ve en el uso del texto en Sailboat y 1933, donde pierde su significado lingüístico para transformarse en imagen. La cualidad íntima de la naturaleza muerta es preservada en estas películas y subrayada en Water Sark.

Water Sark transcurre en la propia mesa de la cocina y el baño de Wieland. Ella usa objetos cotidianos tales como un vaso de agua, una rosa, una lámpara, un plato y acciones como lavar su cabello, para darse a ver a sí misma, atrayendo al espectador a su espacio y cerca de su cuerpo.

De la naturaleza muerta deriva la abstracción. Wieland lo logra creando efectos visuales en cámara y dando a ver su proceso fílmico. Deconstruye la escena y problematiza nuestra relación con ella mientras la observa. En una forma brechtiana, Wieland hace visible el proceso de filmar y muestra su propia imagen fragmentada.

Water Sark es un autorretrato compuesto de capas visuales y conceptuales.

El retrato es una clave en las películas de Wieland. Retrata gente, animales y a la sociedad a través de su lente. A&B in Notario es un retrato donde Joyce Wieland y Hollis Frampton tienen una conversación visual con sus cámaras. Ambos son cineastas, personajes y espectadores al mismo tiempo.

El tratamiento del ritmo, el encuadre, la acción, el montaje y el sonido, crean una composición en capas donde los roles son activos e intercambiables, dejando espacio a la audiencia para determinar su propia relación con la película. Además, el proceso del film es, junto a Water Sark, de especial importancia: podemos escuchar el sonido de la cámara y también el sonido de la cámara recargándose.

En Handtinting la falta de diálogo nos conduce a observar las expresiones faciales de la mujer que revelan su aburrimiento y felicidad en relación específica con la situación.

En Rat Life and Diet in North America y Cat Food, Wieland retrata animales como personajes centrales a través del uso del primer plano, al mismo tiempo que enfatiza en cuestiones ambientales.

La cineasta abre ventanas para la observación, a través de las cuales retrata la sociedad. En Solidarity, un documental sobre una protesta en contra de los bajos salarios en una planta alimenticia de Kitchener, Wieland se concentra en los pies de los manifestantes. Focalizando en los zapatos de la gente mientras camina, Wieland nos da acceso directo a su clase social y las circunstancias que la rodean, al proponer una mirada política sin ser didáctica.

Patriotism y Patriotism Part II son retratos irónicos de la cultura americana, hechos a partir de una cuidada composición en un ambiente íntimo. En ambos cortometrajes Wieland juega de manera irónica con objetos de la cultura americana como la bandera, la Estatua de la Libertad y el pancho (hot dog), subvirtiendo su significado e influencia. A través de estos símbolos, usados de forma juguetona e irónica, refleja las relaciones de poder y dominación. Es también el caso de Rat and Life in North America, donde el relato revela las preocupaciones de Wieland sobre el control económico y la influencia política de Estados Unidos sobre Canadá.

Es importante notar que, mientras estos films son políticos, mantienen el sentido de la exposición personal, tal como lo muestra el texto final de Patriotism Part II, donde la cineasta da a conocer sus sentimientos hacia el actor.

Joyce Wieland crea una belleza compositiva usando la intimidad y los dibujos como punto de partida.

En sus películas ella trabaja con el medio en sí mismo, con la naturaleza efímera de la imagen, mientras invita al espectador a participar de manera activa.

Su particular forma de mirar y retratar está dotada con una gran libertad para comunicar sus ideas de una forma compleja y nítida a la vez. Su forma personal y su estilo se transforman en una idea política, en el sentido en el que ella enfatiza su relación con el film y da forma a su estética y sensibilidad política, insistiendo en demostrar su estatus igualitario de mujer en el mundo del arte de la época.

Las proyecciones serán presentadas en fílmico gracias a la colaboración del Canadian Filmmakers Distribution Centre (CFMDC).

Patriotism 2 (Patriotismo 2)
Canadá, 1965
3:45’ / color / muda

En cierta forma, un retrato de Dave Shackman con la bandera americana. El final es una animación cuadro a cuadro de una mesa de trabajo con comida moviéndose y dando vueltas que finalmente se une en una bola. Mirando el film retrospectivamente, la secuencia de animación parece presagiar la temprana muerte de Dave Shackman. Murió poco después de terminar este film.

Rat Life and Diet in North America (Vida y Dieta de Rata en Norte America)
Canadá, 1968
16’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

“Puedo decirte que el film de Wieland se sostiene. Puede ser una de las mejores (o de las más ricas) películas políticas. Es completamente acerca de rebeldes (representados por ratas) y la policía (representada por gatos reales). Luego de largo sufrimiento debido a los gatos, las ratas se fugan de la cárcel y se escapan a Canadá. Allí comienzan a hacer jardinería orgánica, sin DDT en el pasto. Es una parábola, una sátira, un película de aventura, o se la puede llamar pop art o cualquier tipo de arte que uno quiera. Yo la considero como una de las películas más originales de tiempos recientes.” Jonas Mekas.

“El film es ingenioso, expresivo, y un grito lejano del humanismo de animales tiernos con el que el cine nos ha llevado hasta el punto del hartazgo en el pasado. De todas formas, es una extensión vital del aspecto de sus films que va en contra del principio de estructura: simbolismo irónico.” P. Adams Sitney, Film Culture.

“Rat Life and Diet in North America prueba que ella ha estado contemplando la vida de los animales largamente y de forma afectiva, y es una suerte de Evelyn Nesbit caprichosa; nunca cursi y creadora con una femineidad intensa.” – Manny Farber, Art Forum.

A&B in Ontario (A&B en Ontario)
Joyce Wieland & Hollis Frampton
Canadá, 1984
16:50’ / b&n / sonido
Exhibición en 16mm

“Hollis y yo regresamos a Toronto de vacaciones en el verano del 67. Nos estábamos alojando en la casa de un amigo. Atravesamos toda la ciudad y eventualmente llegamos a la isla. Nos seguimos mutuamente. Disfrutamos mucho el uno del otro. Dijimos que haríamos una película acerca de nosotros, y lo hicimos.” Joyce Wieland

A & B in Ontario fue terminada ocho años después de haber sido rodada. Luego de la muerte de Frampton, el film fue ensamblado en forma de diálogo cinemático por Wieland en el que los colaboradores (con el espíritu de los sesentas) se filmaron mutuamente con cámaras.

Sailboat (Bote a vela)
Canadá, 1967
2:45’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

“Sailboat tiene la simplicidad del dibujo de un niño. Una imagen prácticamente de juguete de un bote a vela navega sin interrupción sobre el agua, al sonido de olas rugientes, que parece subrayar la imagen al punto de la exageración, similar a la forma en que un niño podría dibujar agua, escribiendo los sonidos en palabras por encima para hacerlo lo más enfático posible. La pequeña imagen es interrumpida en un momento por un enorme hombro que aparece brevemente en el lado izquierdo.” Robert Cowan, Take One

“Este pequeño film de un bote a vela navegará a través de tus compuertas y hacia tu corazón.” Joyce Wieland

“Un día en la Playa, en el Mar, hacia el Cielo y hacia los Botes a vela.” Michael Snow

Handtinting (Coloreado a mano)
CLIP – 1MIN.
Canadá, 1967
6’ / color / muda
Exhibición en 16mm

“Handtinting es el adecuado título de un film hecho de tomas sobrantes del documental de Job Corps que incluye secciones coloreadas a mano. El film está lleno de pequeños movimientos y acciones, gestos comenzados y nunca completados. Imágenes repetidas, a veces en color, a veces no. Un film hermosamente realizado a la forma de música de cámara, cuya sensación total es ritualística.” Robert Cowan, Take One

Water Sark
Canadá, 1965
13:30’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

Decidí hacer un film en la mesada de mi cocina, no hay nada como conocer mi mesada. El elevado arte de la ama de casa. Tomás prismas, vidrios, luces y yo misma a ello. “La Ama de Casa está Drogada.” Water Sark es un film escultura, que se hace mientras uno espera. Joyce Wieland

Connecting Shores / Uniendo Orillas Curado por Gabriela Salgado

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SELECCIÓN MONOCANAL DE ARTISTAS INTERNACIONALES
CURADURÍA: GABRIELA SALGADO (LONDRES, UK)
Duración total: 73'

The house that my father built (Once upon a time) / La casa que mi padre construyó (Érase una vez)

2010
6’20’

El presente video es parte integrante de la instalación multimedia original comisionada por Mathaf - Arab Museum of Modern Art en 2010, que consta además de varios objetos y una pintura de 620 x 400 cm.
En The house that my father built (Once upon a time) el artista relata su emotivo retorno a Baghdad en 2009, después de más de veinte años de exilio, con motivo de la muerte de su padre. La animación analógica desgrana a través de imágenes de inmensa melancolía su reencuentro con la casa en que transcurrió su infancia, los recuerdos de familia, y las heridas dejadas por la guerra.

La obra es una vista de la instalación completa realizada en 2010 en Mathaf, Doha, Qatar.

Sadik Kwaish Alfraji. Nacido en Baghdad, Irak en 1960, vive y trabaja en Holanda

Symptom / Síntoma

2007-08
32’16’’ / HD

Pintor de formación, Wang Jianwei es uno de los pioneros del video arte en China. Su práctica explora la paradójica presencia de la historia en la China contemporánea por medio de complejas instalaciones en las que el video se presenta junto a performances, escultura, fotografía y puestas en escena reminiscentes del teatro del absurdo. La instalación monocanal Symptom presenta una plétora de narrativas susceptibles de múltiples lecturas con la intención de brindar a la audiencia una experiencia liminal en la que se despliegan simultáneamente lo real, la ficción y lo imaginado. Inspirado en la noción de Karl Marx, la obra ofrece una inmersión en los síntomas de la realidad representada, a fin de provocar un diagnostico similar al que la medicina arriba al analizar los síntomas de una dolencia.

Wang Jianwei. Nacido en la provincia de Sichuan, China en 1958, vive y trabaja en Pekin

MiddleSea / En altamar

2008*
16’ / 16mm a video HD

Saphir

2006
19’ / HD / Proyección doble.

Zineb Sedira pertenece a una generación de artistas formados en Londres en las décadas de 1980-90 quienes por virtud de sus diversos orígenes culturales inauguraron un capitulo fundamental en la historia del arte británico, al posicionarse de manera crítica en el contexto de la teoría poscolonial.
Partiendo de un marco especifico de reflexión sobre su identidad como hija de la inmigración argelina en Francia, su trabajo ha avanzado hacia horizontes más amplios para abarcar la problemática de las culturas en movimiento en los tiempos de la globalización. La sofisticación de su lenguaje visual encontró un punto de inflexión en la realidad de Argelia, país con el que reanuda una relación truncada por años de guerra civil y donde ha establecido un programa de residencias para artistas.
Las piezas presentadas en esta selección, Middlesea y Saphir retoman poéticamente la temática de los que atraviesan el mar buscando otros horizontes, los desencuentros, las fantasías y la ideología subyacente de un lado y otro de esa frontera entre dos mundos que es el Mediterráneo.

Zineb Sedira. Nacida en Paris en 1963. Vive y trabaja en Londres.

*Realizado con el apoyo del Arts Council England y Henry Moore Foundation

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 10

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Sábado 3.11.12 17:30hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 65’

Últimas obras en video Valerie Mrejen

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Duración total: 126’

Valérie Mréjen, nacida en París en 1969, es una de las voces literarias más importantes de la nueva narrativa europea. Egresada de una escuela de arte, es también artista plástica, fotógrafa y videoartista. Se interesa desde un comienzo por explorar distintos medios expresivos para investigar las posibilidades del lenguaje, la infancia y sus memorias. Comienza editando algunos libros de artista antes de filmar sus primeros videos. De gran proyección internacional, sus trabajos han sido expuestos en Francia y en el resto del mundo, destacándose una muestra en el Jeu de Paume de Paris, en 2008. Realizó también varios cortometrajes, documentales (Pork and Milk, 2004, Valvert, 2008) y un largometraje de ficción, En Ville (2011). Ha publicado también tres relatos (Mon grand-père, 1999, L’Agrume, 2001, Eau sauvage, 2004) editados por Allia. Actualmente reside y trabaja en Paris.

Ellos respiran
2008
7’ / video
Con : Marilyne Canto, Jocelyne Desverchère, Michèle Moretti, Serge Ramon, Dominique Reymond, Lucia Sanchez, Bertrand Schefer, Edith Scob
Imagen : Caroline Champetier. Sonido : Yolande Decarsin. Montaje : Camille Maury. Mezcla : Mikaël Barr
Producido por el Jeu de Paume

Un departamento por la noche. Ocho personajes van pasando, o tal vez están juntos, aislados, extraños unos con otros. No hay confrontación. Están casi inmóviles, como retratos de familia colgados de la pared. Sin embargo, una voz off, la de ellos, nos prueba que están vivos.

En qué pensás? En nada.

Qué es una voz interior? Existe? Flotamos confusos, silenciosamente. Somos nosotros atravesados por las imágenes? O se trata de frases, de fragmentos de historias, de una lista?

En qué pensás? Por qué esta pregunta intrusita nos sobresalta y nos espanta?

No, nada. Qué nos espanta?

Voilà c’est tout
2008
6’ / video
Con : Cheila Cleland, Serigne Diop, Oriana Kacimi, Andrea Montano, Bryan Pepin, Natacha Plunkett, Sandra Rousseau.
Imagen : Alexis Kavyrchine. Sonido : Yolande Decarsin. Montaje : Camille Maury. Mezcla : Mikaël Barre.
Producido par le Jeu de Paume

Tres días de entrevistas filmadas con una treintena de adolescentes confrontados a una serie de preguntas.Un montaje de cinco minutos aisla ciertos temas (tiene usted modelos? a qué le tiene miedo? cuál es su mejor recuerdo?) y se concentra sobre algunas personalidades.

Dieu
2004
11:30’ / video / color
Con: Haïm Beer, Emouna Sebi, Goel Pinto, Hagaï Levi, Shay Labib, Adi Keen, David Volach, Noam Amramy.

Grabado en Tel-Aviv, Israel, la obra tiene por temaa aquellos que, viniendo de medios judíos ultraortodoxos han decidido romper con el mundo religioso. Ocho que provienen de familias religiosas cuentan un recuerdo ligado a esta experiencia: la transgresión de una prohibición, el momento decisivo de la toma de conciencia, una acción efectuada en un contexto hasta entonces inhabitual o por la primera vez (encender la luz el sábado, probar un alimento nuevo, ir al cine, etc.).

Para la mayoría de ellos, esto fue sinónimo de ruptura con su familia y de rechazo de su comunidad. El film reúne una serie de recuerdos, relatos, anécdotas, momentos clave o situaciones límite.

La Peau de l’ours
2012
13:30’ / video color
Producción : Centre Pompidou, galerie des enfants

Con: Niels et Lyne Manoury, Louise-Violette y Virgile Lemaire, HuynSeo y HuynWoo Joe, Anton y Marcus Morisset, Simon y Justin de Oliveira, Louise Amant, Victor Reitlinger-Desbazeille, Odilon y Giulio d’Alù, Gabrielle y Garance Zakin, Angèle Ballet-Gautreau, Sacha Meyers, Chad Santa-Maria

Imagen : Claire Mathon, Christian Bahier. Sonido : Nicolas Joly. Montaje : Thomas Marchand.

Interrogados sobre el tema del lenguaje y su aprendizaje, los niños responden al sentido de ciertas palabras y expresiones.

Pork and Milk
Valérie Mréjen
2004
52’ / 35 mm / color
Producción : Arte France, Aurora Films, Ina.
Imagen : Céline Bozon. Sonido : Yolande Decarsin. Montaje : Anne Weil. Mezcla : Myriam René.

Filmado en Tel-Aviv, el film tiene por tema a aquellos que, viniendo de un medio ultrareligioso tomaron la decisión de hacerse laicos. Para la mayoría, esta decisión implicó romper con su familia, sus padres, su comunidad y la necesidad de arreglarse solos en una sociedad nueva donde todo está por aprenderse.

French Courvoisier
2009
15’ / 35mm / color
(subtítulos en inglés)
Producción : Aurora Films.
Guión : Valérie Mréjen, Bertrand Schefer. Imagen : Claire Mathon, Simon Roca. Sonido : Xavier Piroelle. Decorados : Kiko Herrero. Montaje : Muriel Breton. Montaje de sonido y mezcla: Mikaël Barre.
Con : Marilyne Canto, Pascal Cervo, Antoine Chappey, Dinara Droukarova, Jérémie Elkaïm, Joanna Grudzinska, Gaëlle Obiégly, Bertrand Schefer.

Es el fin de una comida. Ocho personas están re unidas alrededor de una mesa y acaban de evocar el recuerdo de un amigo que falleció. A través de sus historias a propósito del que está ausente, rasgos de carácter, manías, expresiones, se dibuja un retrato.

ABCDEFGHIJKLMNOP(Q)RSTUVWXYZ
Valérie Mréjen y Bertrand Schefer
2011
6’ / super 8 transfer a video color
Producción : Aurora films. Imagen : Claire Mathon. Música : Ferdinand Grandrieux. Montake : Thomas Marchand. Montaje de sonido y mezcla: Mikaël Barre.
Inventario soñador y ecléctico de imágenes de Japón y de cosas enumeradas por orden alfabético.

Exercice de fascination au milieu de la foule
Valérie Mréjen et Bertrand Schefer
2011
15’ / video color
Producción : Aurora Films. Imagen : Claire Mathon. Montaje : Thomas Marchand. Montaje de sonido y mezcla : Mikaël Barre.

Tokyo, el barrio Shibuya, una ciudad en la ciudad. La multitud, las pantallas gigantes, los cruces de multiples avenidas, la circulación. En medio de este caos organizado, los Shibuya gals, estas chicas tímidas de apariencia extravagante. Un retrato coreográfico de un barrio y sus figuras.

Cocinandome en mis propios jugos Bryan Konefsky

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Duración total: 70’

Por muchos años mis trabajos de imagen en movimiento luchaban con la incomodidad y molestia de ser un ciudadano americano dentro del contexto de Estados Unidos y su vasta y arruinada historia de ignorancia, avaricia empírica, rectitud espiritual, orgullo y glotonería.

La estructura de estas exploraciones cinemáticas frecuentemente toman la forma del film-ensayo o lo que la curadora Mis-Alt Tessa Siddle denomina “conversaciones con el espejo.”

En su peor punto, uno podría categorizar estos film-ensayos como una “contemplación de ombligo” solipsista y –posiblemente- en su mejor punto, estos trabajos consideran el valor de la experiencia personal como Historia.

Chicken delight (Delicia de pollo)

USA, 2006
21’

Este film-ensayo es una meditación sobre la continua fascinación y cortejo de los Estados Unidos con la radioactividad. Aquí, la historia comienza con la decisión de la Administración de Comida y Drogas de servir carne irradiada en su Programa de Comedores Escolares, y termina con el cuento que William S. Burroughs podría haber escrito acerca del uso de la radioactividad para desarrollar tumores como una novedosa declaración de moda.

En el medio, la narrativa oscila entre la historia de la pintura radioactiva que usaban las mujeres jóvenes en sus labios y uñas en los años 20, los supositorios de radio que se promocionaban a hombres como una versión temprana del Viagra y, finalmente, relojes de pulsera radioactivos que actualmente se utilizan como aros de pene contraceptivos.

I Yam What I Yam (Soy lo que Soy)

USA, 2005
16:52’

En 1929, la visión monocular no se limitaba a la contemplación con telescopios (Edwin Hubble) o cámaras de cine (Dziga Vertov). 1929 también fue el año en el que el marino de un solo ojo “fuerte hasta el final” llamado Popeye se introdujo por primera vez en Estados Unidos como un personaje de tira cómica. Hoy, después de 75 años y 234 películas, el grito rebelde de Popeye por el bien común, “Soy lo que soy”, todavía resuena con la esperanza y convicción de sus visionarios colegas.

A Junky’s Christmas (La Navidad de un Jonki)

USA, 2004
16.45’

En esta corta intervención cinemática, Bryan Konefsky une dos íconos de lados opuestos del espectro cultural americano. Aquí, imágenes de la película de Frank Capra de 1964 ¡Que bello es Vivir! chocan con los mundos del autor visionario William S. Burroughs en una lectura de su cuento “The Junkie’s Christmas” (“La Navidad de un Jonki”). Los resultados son sorprendentes, de manera que el sueño americano se transforma en una pesadilla.

Vancouver diary (Diario de Vancouver)

USA, 2008
13.45’

Un diario en cinco partes inspirado por un viaje reciente a Vancouver, Columbia Británica donde, en la frontera, un oficial de aduanas canadiense me acusó de contrabandear pornografía a su país. En última instancia, este trabajo es una meditación sobre la paranoia, las falsas percepciones, los juicios equivocados y un tipo particular de “creación de perfiles”.

Ensayo de un Crimen Ximena Cuevas

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Presentado por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En presencia de la artista.

Ensayo de un Crimen. Sobre la obra de Ximena Cuevas.

De niños, varios pensamos que cerrar los ojos era ausentarse. La desilusión fue la misma de llegar a la isla desierta y descubrir que encender una pequeña radio era encontrar la otra cara del espacio que aparentaba estar vacío. La ficción termina al encender las luces de la sala en el supuesto de reconstruir la frontera entre lo real y lo ficticio. ¡Corte! grita el director. La actriz se limpia el Vick VapoRub para dejar de lagrimear. Hacia el público, para dejar de llorar. En la época de oro del cine mexicano, el macho no lloraba y la mujer no paraba de llorar. Todo según el papel que haya que representar. La máscara, el gesticulador. Uf! Lo que debemos de ofrecer para pertenecer. El Diablo en la Piel. Las fronteras se cruzan. Archimboldo de la Cruz, personaje de la película Ensayo de un Crimen de Luis Buñuel no es un asesino siendo que lo es en potencia. Ximena Cuevas, que había trabajado en el cine, me contó otras maneras de efectuar el llanto, tal vez más efectivas para un real melodrama, el drama de la representación, ver la verdad del llanto. El detrás de la cortina de las manos de Lana Turner con cicatrices para producir sus lágrimas. Ximena, tras algunos intentos, tomó un chile verde y lo puso en contacto con sus ojos. También funcionó.

Una media mentira para llegar a una media verdad. Los gringos dicen estar invadidos de mexicanos. Los mexicanos decimos estar invadidos por los productos gringos, y así nos vamos. ¡Corte! Vuelve a gritar el director, el charro mexicano escupe la hamburguesa que aparentaba comer deliciosamente. Ximena nos ha parado en esa línea que fluctúa de un lado a otro como látigo que no se decide estar. Acá estamos entre lo que queda dentro del cuadro y el después del corte. Sí, es un fragmento de un comercial para la televisión. Aparato que está dentro de la recámara y a un lado de la cajonera que guarda la ropa interior. Nuestra isla desierta. Los medios llegaron para quedarse y la realidad no termina de reconstruirse. Es Cinépolis, la Capital del Cine.

Efectivamente, cuando abrí los ojos, seguía ante la misma escena, la espectacularización de la vida del otro, un talk show. No me había ausentado por bajar los párpados. Abrazar la leña de la chimenea. Podría ser calor de hogar. Volver al yo. “Ver para creer” dicen varios ante lo que se cree increíble. Pero las apariencias en un mundo visual ya no son lo opuesto a lo real, tan sólo su complemento. Staying Alive. La leña no desprendía fuego, sino tan solo su imagen. El cuidadoso cascarón promete su dibujo, pero es electrónica y se apaga como quien apaga la televisión. Tómbola es el nombre del talk show que transmitían al aire y en el que Ximena Cuevas fue una de las participantes. Como duelo de coplas en los cancioneros del cine mexicano (duelo de pistolas en cualquier western), Ximena toma su pequeña cámara de video y apunta hacia la cámara de televisión que previamente ya la enmarcaba.

Fabiola Torres Alzaga

Esta serie de obras contemporáneas utilizan found footage de otras películas, de videojuegos y de televisión para crear provocadoras reflexiones sobre la cultura del espectáculo en el contexto posterior al 11 de septiembre. Tratan la problemática de hacer cine inteligente en un mundo en el que el cine y el mundo audiovisual funcionan sobre todo como espectáculo. El cine, a diferencia del arte, comparte el mismo espacio: la pantalla, con toda la producción comercial del cine; cuando el cine piensa la relación pantalla-espectador, ha de pensarla también en ese contexto de cine espectáculo-espectador.

Ensayo de un Crimen

México, 2005
1:34’, MiniDv / color

Esta breve puesta en escena de cine-de-acción, hace homenaje a Ensayo de un crimen o La vida criminal de Archibaldo de la Cruz de Luis Buñuel (1955) a la vez que contextualiza su obra en el clima post 11 de septiembre, con sus sistemas de seguridad y control.

Cinépolis, La Capital del Cine.

México, 2003
22:18’ / VHS/MiniDv/Video-8 / b&n y color

Con el humor ácido que caracteriza su creación, Cuevas realiza una adaptación personal de La sociedad del espectáculo, en donde muestra ejemplos “vintage” de la cultura de masas, que giran en torno a un cine-multiplex. Utiliza el concepto “suspensión of disbelief” como el referente obvio que comparten todos los productos de consumo, con una estructura elíptica y mareante. Cuevas nos hace de reportera del paraíso distópico de un mundo global.

Someone Behind the Door,

México, 2005
12:42’ / VHS, MiniDv / b&n

Un mundo sin escapes… desde las cámaras de vigilancia, un ojo, una presencia, siempre allí para controlar nuestras mentes y movimientos. Una mirada que acecha hasta los más mínimos y seguros movimientos de la vida.

Alma Gemela,

México, 1982-1992
1:47’ / Super-8 / color

La inocencia de crear un espejo, solo para caer interminablemente bajo los pies.

Staying Alive,

México, 2001
3:00’ / MiniDv / color

Hombre ciego: “Es malo estar solo”
La criatura: “Solo, malo”
- La novia de Frankestein

Puedo ser tan mala para lograr estar sola que incluso el calor artificial es mejor que nada.

El Diablo en la Piel

México, 1998
5:07’ / Hi8 / color

“En El Diablo en la Piel, me miro a mi misma en el espejo, pero a través de la desoladora y agujereada imagen de una mascara; el circulo se rompe por el seco y cortante sonido del teléfono. Vuelvo a tomar la cuchara. No hay forma de salir del aburrimiento de todos los días. Toda puntuación gramatical constituye una búsqueda en pos de romper los estados intensificados de la realidad.”

Colchones Individuales.

México, 2002
18:02’ / MiniDv / b&n y color

Es quizás la obra más melancólica y menos humorística de la videoartista, en la que recrea las sensaciones de un malestar contemporáneo. Tal y como indica el título, la obra nos presenta a la autora sola en la habitación de un hotel para mostrar el aislamiento del movimiento global, y se cubre la frente con una cinta en la que se ve escrito isolation, recalando uno de los temas recurrentes en la obra de Cuevas: la hegemonía del inglés como lengua internacional. Los iconos de Papa Noel, la Campbell Soup, casas derruidas y clips de la interminable Titanic hilvanan un mundo de signos vacíos que rodean al ser sin arroparlo. Los espectáculos aparecen como sustitutos de una vida plena caracterizada por el vínculo social.

Contemporary Artist,

1999
4:57, México, b&n / MiniDv

Después de trabajar en la soledad de su estudio, la artista se va desconforme con la idea de que tiene que poner una cara para el mundo del arte, donde se espera que pueda articular una idea para lograr la atención del curador.

La Tombola,

2001
7:53, México, color / VHS

Intervención performática en el interior del flujo televisivo. Cuevas se hace invitar a un programa de farándula para generar desde el propio medio una crítica de las formas y contenidos que vehiculiza la televisión.

Breve reseña de la historia del videoarte en Chile Curado por Néstor Olhagaray

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Duración total: 130'

Los años setenta

Lo primero fue Juan. De formación arquitecto, durante los años setenta vivió entre Nueva York y Chile. Con la aparición en el mercado de la Sony portapak, es decir, el primer sistema de registro audiovisual electrónico portátil (en oposición a los equipos estacionarios de la televisión), Juan comprende que cualquiera podía disponer y apropiarse de aquel sistema y que no estaba frente a una simple versión electrónica de la cinematografía, sino que se trata de otro medio, otro sistema de escritura que poseía sus propias vocaciones. Hay dos videos de Juan Downey que ilustran una nueva actitud frente al dispositivo audiovisual. Por un lado Shifters, donde despliega la lógica del mixer y la fusión –ya inaugurada por Nam June Paik en su famosa pieza Global Groove. El otro es La sonrisa del lagarto donde Juan participa de otra tendencia que hoy en día ha cobrado bastante vigencia: se trata de convertir al artista en el protagonista del video, en poner en escena el sujeto de la enunciación.

Los años ochenta

El arte del video. En estos años se da el inicio definitivo de la apropiación de la cámara de video como prótesis del cuerpo, o simplemente, un instrumento de escritura subjetivo. Carlos Altamirano artista chileno: en el año 1981 realiza una performance consistente en grabar su propia carrera, como cámara subjetiva, entre dos instituciones emblemáticas, ambas alteradas por el régimen militar. El Colectivo Accion De Arte (CADA), que reúne a artistas visuales como Lotty Rosenfeld y Juan Castillo, a la literata Diamela y al poeta Raúl Zurita entre otros, irrumpe como un colectivo que genera una serie de acciones que son registradas en video. Y al mismo tiempo Eugenio Ditborn abordará de manera rigurosamente estructurada una obra de video consistente en varios trabajos.

Por otra parte, los años ochenta están marcados especialmente por el espacio que abrieron los Festivales Franco-chilenos de video Arte. En mi opinión, el estimulo más grande para desarrollar y afianzar la práctica del videoarte en Chile. Es así como tuvimos la oportunidad de conocer a la mayoría de los grandes artistas franceses de aquella época; cada una de estas visitas fueron las mejores enseñanzas para vitalizar una cultura y una estética del video. Los artistas chilenos que les correspondió realizar en Francia su “Carnet de voyage” fueron: Juan Forch, Francisco Vargas, Magali Meneses, Francisco Fábrega, Francisco Arévalo, Marcela Poch, Patricio Pereira, Claudia Aravena, Gerardo Silva .

Los años noventa

El video arte. Se caracterizan especialmente por la irrupción de una nueva generación, ilustrada esencialmente por el artista Guillermo Cifuentes. En el año 1993 se crea la primera versión de las Bienales de Video y de Artes Electrónicas (hoy de Video y Artes Mediales) que consolidaron un espacio de difusión y experimentación logrando que el video entre definitivamente en la escena artística. Guillermo Cifuentes y Claudia Aravena forman parte de aquellos nuevos artistas que irrumpen en la escena gracias a su labor vanguardista.

Los años dos mil

El video de artistas. Alrededor del año 2000 ocurren, a mi parecer, dos fenómenos que de alguna manera cambiarán la presencia del video en el espacio del arte. Una es la definitiva digitalización del video, lo que conlleva un mayor acceso a su tecnología y en conclusión un mayor numero de usuarios, que además aprovechan la baja de precios y harán del video su instrumento de escritura. Por otro lado, la tendencia del arte contemporáneo a trabajar en los entornos socio-políticos, lo que desarrollará toda una tendencia documentalista. El video en este dominio casi no tiene competencia. Es el caso de Edgar Endress, que a través de una investigación poética, nos conduce por los caminos de la idiosincrasia de los pueblos latinoamericanos.
Néstor Olhagaray, Curador invitado

Shiffter
Juan Downey
1984
28:10’ / color / sonido

Como The Looking Glass e Information Withheld, Shifters explora diferentes formas de interpretación. Y, justamente como Information Withheld, Shifters trata con varios medios y niveles de comunicación y concierne específicamente las diferencias entre signo, símbolo, ícono y un ‘shifter’ (embrague). Aquí, Downey adapta la explicación del psicoanalista francés, Jacques Lacan, del ‘shifter’: ‘designa al sujeto de la enunciación pero no lo significa.´ Shifters `desmantela el método narrativo`. Está inspirado en análisis lingüísticos y una vez más incluye una prominente contribución del historiador de arte Leo Steinberg. El tape consiste en cinco temas distintos pero superpuestos: Egipto, Napoleón, científicos, el maltrato (ficticio) de un gato y el melodrama clásico de Calderon La Vida es Sueño. Como en los otros tapes de la serie The Thinking Eye, Downey utiliza un abordaje semi-documental para explorar la memoria personal y colectiva.

La risa del caiman
Juan Downey
1979
27 min, b&w and color, sound

La risa del caimán es parte de la serie ‘Video Trans America’ que comenzó en 1971 y que consiste en más de 30 tapes e instalaciones. Debido a la muerte prematura de Downey en 1993, la serie nunca será completada. Aparte de su orientación antropológica, Video Trans America es también el intento de Downey de obtener una comprensión profunda de sus raíces latinoamericanas. La risa del caimán fue realizada mientras Downey vivía con los Yanomami del Amazonas. El documental tradicional frecuentemente crea la impresión de que la cámara de cine o video es un ojo objetivo que captura la realidad. Sin embargo, el posicionamiento de la cámara (y su misma presencia) influye inevitablemente en lo que es presentado en la cinta. Downey en ninguna forma intenta generar un retrato ‘objetivo’ de los Yanomami. En cambio, permite que su propia presencia y la del equipo de video haga una importante contribución a la forma y el contenido de su trabajo. Aquí, los Yanomami (que no son naif cuando son confrontados con imágenes) entran en diálogo con su propia imagen. Sin embargo, esto no sucede antes de ser convencidos de que la cámara, que la interpretan potencialmente como un arma, no puede lastimarlos a ellos ni a sus muertos. El resultado de este encuentro es al mismo tiempo excitante y fascinante. Downey también describe los orígenes mitológicos de los Yanomami: el caimán que ríe de quien se le roba el fuego, para que el hombre pueda sobrevivir. Downey introduce una dimensión extra a través de un sutil entrecruzamiento de material documental con imágenes autobiográficas.

Artista visual chileno
Carlos Altamirano
1981, Chile.

En el año 1981 el artista visual Carlos Altamirano realiza una video performance, quizás el primer videoarte realizado en Chile, consistente en grabar su propia carrera, en un maratónico recorrido con cámara en mano y grabador anexo en formato VHS, desde el Museo Nacional de Bellas Artes hasta las escaleras de la Biblioteca Nacional. En un intento de dar cuenta del contexto que se vivía en esa época entre dos instituciones emblemáticas, ambas alteradas por el régimen militar. La obra se título "Panorama de Santiago".

Una milla de cruces sobre el pavimento
Lotty Rosenfeld
1979, Chile.

Lotty Rosenfeld, una de las integrantes del grupo CADA, otorgaría al video una participación más relevante en sus acciones al planificar una en la cual el registro de lo efectuado (intervención con telas blancas de las líneas del pavimento en una calle de Santiago, formando una hilera de cruces de 1.700 metros de longitud, realizada en diciembre de 1979) sería proyectado en la misma calle (avenida Manquehue entre Los Militares y Avenida Kennedy) seis meses después, provocando una nueva intervención que hacía las veces de eco de la primera. La proyección se realizó mediante dos monitores gigantes de video y una pantalla de cine de 20 metros cuadrados y duró tres horas a partir de las ocho de la noche. La acción recibió por título Una milla de cruces sobre el pavimento.

Tomado del U-Matic, Historia del video en chile. http://www.umatic.cl/histch8.html

Historia de la Física
Eugenio Dittborn
1982

Comunión
Guillermo Cifuentes,
1997, Chile.
14′

Sobre la reedición de fragmentos de la reconstrucción de escena en “el caso degollados”, Comunión se concentra en la cuestión de la reconciliación y su validez como eje de construcción histórica y de posicionamiento individual ante la complejidad irreductible de una Historia escrita con y sobre cuerpos concretos.

11 de Septiembre
Claudia Aravena
2002, Chile.
5:30’ / video / color / sonido

11 de septiembre de 1973, golpe militar en Chile. El video explora sobre la transexualidad de la memoria, mediante una implícita crítica a los medios de masa y su representación de la violencia. La fisura entre estos dos aspectos y la fractura memoria presente y pasado histórico son el punto de encuentro de este video.

“…El video de Claudia Aravena parece moverse constantemente sobre la base de una pluralidad de niveles; en una plano de superficie están las imágenes: los aviones, el fuego y la arquitectura que se desmorona, una vez en NY y otra vez en Santiago. En un plano de diferente constitución está la voz que susurra, que abre la ausencia de una materialidad, de un cuerpo que a su vez es opacado por las imágenes siendo al mismo tiempo la condición de su existencia relacional. Como elemento comunicacional entre estos dos niveles está la intertextualidad – entiendo texto en un sentido discursivo (como portador de un discurso no necesariamente hecho de palabras) – con Hiroshima mon amour de Alain Resnais. Como Resnais, Aravena mezcla materiales disímiles, como en Hiroshima mon amour en 11 de septiembre se abre la posibilidad de construcción de una arquitectura de la memoria: un lugar cuyas reglas de constitución y funcionamiento sólo se encuentran en sí mismo. También esta la imagen de dos cuerpos y la voz que repite las palabras de Marguerite Duras, que hablan del recuerdo, de una piel que hace recordar otra piel, de un amante que se confunde con otro. El juego de la diseminación de la memoria aparece como el rizoma de Deleuze y Guattari; sus posibilidades son infinitas.

La fragmentación de este conjunto de imágenes y su reunificación en la poética del video dificultan la distinción de público y privado, construyendo vinculaciones y relaciones que no se agotan en el juego oposicional de dos esferas. Más que bien se indica una complejidad, un entramado que debe ser reinventando fragmento a fragmento, armándose un puzzle cuyas piezas no encajan jamás a la perfección.

Andrea Kottow

Maldito amor
Luis Huerta

Indocumentado
Edgar Endress
2005
10’

Edgar Endress nació en Osorno en 1970, estudio en Arcos en Santiago de Chile. Obtuvo un Master en la Universidad de Syracuse en los Estados Unidos, actualmente vive en Washington, donde es profesor en la Universidad Jorge Manson de Fairfax.

Pensada como video instalación, recurre a una granulada textura en blanco y negro que subraya la verdad documental de un suceso que apareció en los diarios en 2004 y que es narrado por la voz del autor. Un ciudadano peruano, José Segundo Paredes Rubio, intenta traspasar la frontera norte con Chile y muere en el intento. Es la historia de su periplo. La frontera es un tópico que harto interesa a Endress, que trabajo sobre el tema en Méjico e Israel. El valor trasmutador del arte convierte a una simple noticia periodística, que podría estar en una pagina policial, en un sublime relato sobre la testarudez y la esperanza ante un destino trágico, con una mirada piadosa tanto sobre las victima como sobre el victimario. Según Endress “Indocumentado” funciona como sinécdoque de su visión de Latinoamérica, Una recurrente historia de marginales zambullidos en una América nómade y brutal, con la locura, la religión el poder militar como contexto. La posibilidad de salir del anonimato para eternizarse una vez más en el proceso creativo, un ejemplo de un arte comprometido, aunque no panfletario sobre estas venas siempre abiertas de nuestro continente.
Graciela Taquini

Brisas
Enrique Ramirez

La brisa del viento que pasa por mi cara, que pasa por tu cara, la bala en la cabeza, la sangre pegada en el techo.

¿Cómo volver a mirar la historia? ¿Cómo regresar?

Nací en el año 1979, seis años después del golpe militar en Chile. Crecí con la dictadura, en los brazos de mi madre. Me dijo que, paradójicamente, fue el periodo más feliz. Estaba detrás de un muro, protegido de todo. Tan pronto como crecí, mi madre se dio cuenta que no era otro periodo de Chile de larga y aguda precariedad y vulnerabilidad de la vida, soy una parte de esta historia, una inundación de contradicciones.

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 2

Inicio:

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Miércoles 31.10.12 16:30hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 70´

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 6

Inicio:

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Jueves 1.11.12 20hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 98’

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 7

Inicio:

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Viernes 2.11.12 16:30hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 78’

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 8

Inicio:

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Viernes 2.11.12 18hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 103’

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 9

Inicio:

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Viernes 2.11.12 20hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 110’

La mirada errante + 6 piezas breves Jorge Honik

Inicio:

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Programa de cortos Jorge Honik en presencia del artista.

Duración total: 75’

Pienso en estas escenas filmadas a lo largo de diez años de viajes, algunas dictadas por el azar, otras que responden a una idea precisa. Lo he hecho sin considerar seriamente que algún día el circuito se cerraría en la pupila herida por la luz del espectador anónimo.

Al revisar estos rollos después de muchos años, surgen palabras, reconocimientos tan fugaces como los destellos del proyector de Super 8. Frases que conectan el fragor del mundo con la ingenuidad de la visión.

A lo largo de ese recorrido los pies se han adherido al suelo. La mirada en cambio ha volado, posándose sobre las cosas con la fugacidad propia de la luz.

Los pies nos conducen en una dirección, el ojo es inquieto, revolotea en torno a la llama aun si su destino final es, al igual que el de los insectos nocturnos, consumirse en ella.

El cine ha clausurado lo que aún quedaba en pie de la continuidad óptica del espacio. Esta falta de límites nos instala en el espejismo y en última instancia, en los sueños. Seres ya desaparecidos persisten, indemnes, ajenos a la corrupción, entre las lluvias cada vez más devastadoras de las películas de acetato.

La mente que sueña, confunde. Confundir es un acto afectivo. La otra, la que se ocupa de pensar, discrimina, abre, despeja.

Cuando ambas se han retirado queda la obra, desnuda, a la espera de que el espectador la recree con su propia mirada.

Programa 1: La mirada errante

Sueños impresos en acetato

1969–1981
30’ (aprox.) / super 8

Dos películas pasadas en simultáneo. Una es un registro nervioso, descuidado, de un viaje por la India y Nepal al comienzo de los setenta. Impresiones fugaces de rostros, paisajes, templos, seres y cosas. Imágenes que, habiendo sido plasmadas en un medio efímero, van desdibujándose aunque sin envejecer, al costado del río implacable del tiempo.

La otra es un collage de imágenes filmadas básicamente en el Magreb y la Patagonia. Se mezclan ritmos frenéticos con tomas estáticas: un bosque en la niebla, el amanecer sobre un cerro, un furioso recorrido por un camino de la costa argelina, un glaciar, el desierto.

El efecto sincrónico de ambas proyecciones no está anticipado sino que responde a un patrón de aleatoriedad.

Programa 2: Seis piezas breves

Gaudí asesinado por un tranvía

1968
4’ / super 8

Imágenes de la Iglesia de la Sagrada Familia de Antonio Gaudí confrontadas con breves flashes de monoblocs y zonas industriales. Al furioso despliegue de una imaginación desbordada se opone una gris funcionalidad del cual todo criterio de belleza ha sido erradicado. Para Gaudí ‘la belleza era el resplandor de la verdad’. Un tranvía desplazándose por una calle de Barcelona es una metáfora visual de este atentado contra el libre vuelo de las formas.

Gaudí falleció en 1926, a causa de una conmoción recibida al ser atropellado, justamente, por un tranvía.

Komik

1969
3’ / super 8

Un ‘divertimento’ realizado en el local abandonado de un centro turístico de Argelia, deshabitado durante el invierno. Se utilizaron recortes de revistas apiladas encontradas al azar, sin otro propósito que jugar con la infinita cantidad de signos visuales que nos salen diariamente al paso en las ciudades. Y de paso, experimentar con los efectos que se pueden lograr con la filmación cuadro a cuadro.

Un paseo

1969
4’ / super 8

Un paseo en un labrantío de trigo en la misma aldea donde fue filmado Komik. Mientras se desplaza entre las altas espigas el ojo de la caminante, inquieto, recorre los campos, el ganado, se posa en los rostros de los habitantes de la pequeña villa. Breves ejercicios de animación reiteran el título y dibujan la figura de la contempladora descubriendo con asombro los paisajes de sueño que la rodean.

El inmortal

1970
12’ / super 8

Basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges, la película (inconclusa) relata, a través de un torbellino de elusivas imágenes, el largo viaje del protagonista del cuento en busca de la secreta Ciudad de los Inmortales. Hay secuencias de animación filmadas en condiciones muy precarias en una rústica casita en la isla del Giglio, en Italia, donde fue realizada la totalidad de la película.

Passacaglia y Fuga

Bariloche, 1974
Jorge Honik, Laura Abel
Super 8mm, 17.43’, color / B&N, sonido.

Película casi enteramente rodeada en el interior de una casa en las afueras de S.C. de Bariloche, a orillas del lago Nahuel Huapi, a lo largo de todo un invierno y comienzos de la primavera. La cámara va descubriendo muebles, rincones, objetos, libros mediante travellings y panorámicas realizados cuadro por cuadro, en un caso fueron utilizados rieles y en el otro un disco graduado montado sobre un trípode. La casa vibra con vida propia revelando huellas y vestigios casi fantasmales en tanto que la presencia humana es apenas sugerida. Alternan estas tomas con otras del paisaje: lago, nieve, arbustos sacudidos por el viento, el transcurrir de las estaciones, señales externas que acentúan la soledad y el aislamiento de los espacios interiores.

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 4

Inicio:

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Jueves 1.11.12 16:30hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 78´

Mapeando las especificidades del medio Antoni Pinent

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Programa de cortos Antoni Pinent
Duración total: 68 minutos aprox. + presentación de cada bloque.

El trazado que aquí se presenta está conformado a partir de la filmografía parcial del cineasta experimental Antoni Pinent a lo largo de más de 15 años.
La selección de las obras para el programa, dividido por bloques, avanza desde una intención más básica de rastreo y aprehensión de las especificidades del soporte con el que trabaja -ya sea celuloide o vídeo-, hasta el recurso de estructuras métricas/temporales y la utilización de nuevas técnicas de montaje artesanal, desarrolladas o “encontradas” de manera natural en su evolución.
Algunas de las obras comprenden un carácter lúdico -y a veces un particular sentido del humor- intentando así aunar diferentes inquietudes artísticas del autor interrelacionadas o aplicadas directamente al celuloide, extensiones que abarcan otras disciplinas como son: la pintura (GIOCONDA / FILM), la música (Música visual en vertical), o la fotografía (Descenso).

A medida que avanzamos en la filmografía, se aprecia un mejor conocimiento y artesanía en el uso del medio –la mayoría de las veces el 35mm-, que le permite adentrarse en otros subgéneros del cine experimental como el found footage film (FILM QUARTET / POLYFRAME), la apropiación (2∞1: A Space Cut), o desarrollar técnicas nuevas como es el “35/4”, en la que emplea el pentagrama musical para su notación a modo de “partitura cinematográfica”. Esta técnica, por ejemplo, se utiliza para realizar el remake del clásico del cine experimental Arnulf Rainer de Peter Kubelka (1958-1960), re-convertido y bautizado como KINOSTURM KUBELKA /16 variaciones, donde el azar juega un gran protagonismo –de ahí que se proyecte en dos ocasiones para apreciar 2 de sus 16 variaciones-.

La sesión se cierra con la inclusión de dos obras en “work in progress”, la primera todavía sin título -pero casi finalizada- se inscribe en el género de la “apropiación” a partir del empleo de varias técnicas artesanales, elementos propios de la animación, y el uso del décollage tomando como referencia algunos de los trabajos de Mimmo Rotella y Christian Marclay.
Y la segunda obra “en proceso” y última del programa, es un avance del trabajo que Pinent está desarrollando para el proyecto de largometraje con título Macbeth. The Empire State.

Nota: todos lo films se proyectarán en vídeo exceptuando • KINOSTURM KUBELKA / 16 variaciones y, • FILM QUARTET / POLYFRAME, que se proyectarán en su formato original en 35 mm.

ESPACIO | SUPERFICIE - FORMATO

Mi primer 35 mm.
1995-1997
1’ / 35 mm. / 1:1’33 / color / muda

Puzzle 1500
1999-2000
1’50” / 35 mm. / 1:1’33 / color / muda

Música visual en vertical
1999-2000
1’ / 35 mm. / 1:1’33 / b&n / muda

Superficie
1999-2002
2’10” / 35 mm. / 1:1’85 / color / muda

Descenso
2001-2002
1’, color, sonora, 1:1’33, 35 mm.

¼ / C regeneraciones de VHS a VHS
MCMICIX-MM
14’30” / VHS / color / sonora
[extractos de 5 minutos]

ESPACIO | TIEMPO

KINOSTURM KUBELKA / 16 variaciones
2009
1’36” / 35 mm. / 1:1’33 / b&n / sonora

Sumando al centro
2000-2001
1’27” / 35 mm. / 1:1’33 / b&n / sonora

GIOCONDA / FILM
1999
50” / 35 mm. / 1:1’37 / color / sonora

2∞1: A Space Cut
2005-2007
8’40” / súper 8 / color / sonora

TÉCNICAS: COLLAGE | 35/4 | DÉCOLLAGE

FILM QUARTET / POLYFRAME
2006-2008
9’20” / 35 mm / 1:1’66 / b&n y color / sonora

KINOSTURM KUBELKA / 16 variaciones
2009
1’36” / 35 mm. / 1:1’33 / b&n / sonora

Décollage film in progress
2008-2013
22’ aprox / 35mm. / 1:2’35 / color / sonora

TEASER / CASTING

FILM PROJECT IN PROGRESS / • Macbeth. The Empire State
2009-¿ 20…?
35mm / 1:1’33 / color y b&n / sonora. [extractos de 10 minutos]

American Hybrids + Narratives Bodies Abigail Child

Inicio:

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Programa 1: AMERICAN HYBRIDS

(Proyección sin subtítulos)

Duración total: 72’ + duración de Hacking empire.

Abigail Child ha estado al frente de la escritura y los medios experimentales desde la década del 80, completando más de treinta trabajos en fílmico, video, instalaciones y seis libros. Una reconocida pionera en montaje, los primeros trabajos de Child abordan la interacción entre las imágenes y el sonido en el contexto de una reestructuración de los tropos narrativos. Las formas que despliegan sus obras prefiguran muchas preocupaciones contemporáneas y futuras sobre los medios. Sus mayores proyectos incluyen Is This What You Were Born For?: un trabajo desarrollado en nueve años y dividido en siete partes; B/Side: un film que negocia las políticas del colonialismo interno en la ciudad de Nueva York; 8 Million: una colaboración con el percusionista avant-garde Ikue Mori que redefine el “video musical”; The Suburban Trilogy: un digi-film modular que examina prismáticamente la política del lugar y la identidad; y Mirror Worlds: una instalación de pantallas múltiples que incorpora partes de la serie “películas extranjeras” de Child para explorar el exceso narrativo. Su film más reciente, A Shape of Error, está construido como una “película familiar” imaginaria sobre la vida de Mary Shelley.

Surface Noise

USA, 2000
18’ / 16mm / b&n y color / sonido.
Parte 1 de How the World Works (Cómo funciona el mundo).

Concebida, dirigida, editada y con material adicional contemporáneo filmado por Abigail Child, en Surface Noise, el sonido y el material original son entretejidos en forma de sonata para explorar los dominios públicos y privados. Child centra el film alrededor del trabajo y cuestiones de clase social: las divisiones entre el hogar y el espacio público, dueños y trabajadores, saturación y flujo, estructura e improvisación.

“Surface Noise, construida con found footage que Child describe como ‘tomas de descarte de tomas de descarte’, es un denso collage de imágenes con una banda de sonido al estilo de John Zorn. En algunas instancias las imágenes se sincronizan con el sonido; los meneos de un salmón nadando río arriba acoplado con un redoble de tambor, imágenes de una película familiar de un hombre riéndose empatadas con una cantante de opera. En la mayor parte de Surface Noise, sin embargo, el sonido y las imágenes siguen sus propios caminos dialécticos, creando una densidad que es tributo de Child (como la dedicación al final del film hace evidente) a los igualmente complejos films de Warren Sonbert.” - LUX

Dark Dark

USA, 2001
16:20’ / 16mm / b&n / sonido.
Parte 2 de How the World Works (Cómo funciona el mundo).

“Dark Dark es un baile fantasmal de gesto narrativo que une cuatro fragmentos de historias encontradas: Noir (cine negro), Western, Romance (romántico) y Chase (persecución). La música de Ennio Morricone interactúa provocativamente con las imágenes, atormentando al público con redes de memoria, sentido y caprichos escurridizos.” AC

El montaje de Child mata la progresión sintáctica que hace a las películas narrativas tan opacas… La edición es un acto creativo que hace muy atractivo revisitar la obra y que la diferencia de los medios pre-cocidos. ¡Bravo!

Cake and Steak

USA, 2002-04
20’ / 16mm, edición DV / color / sonido.

La primera parte de una serie de proyecciones digitales que excavan el “entrenamiento de niñas” en el legado de las películas hogareñas y la cultura suburbana de la America de post-guerra. El proyecto está pensado como una novela digital en capítulos. La primera parte relee el sueño americano para cuestionar la familia nuclear americana.

“Un abrazo bullicioso, cuerpo a cuerpo, mujer a mujer, entrada a salida. Parientes en primer plano construyen el sentido cinemático, la naturaleza elusiva de la memoria y el deseo y el domino de la histeria familiar en lo social. Una comedia de formas y movimiento, donde el film, como todas las partes de la nueva serie, exacerba el ‘entrenamiento de niñas’ en el legado de las películas familiares y la cultura suburbana de los Estados Unidos de post-guerra, y que fue concebido tanto para una instalación en loop como una proyección en una única pantalla.” Catálogo de Oberhausen del 28 de Abril del 2004

Hacking Empire

USA, 2010
fílm y dv
Versión de pantalla única de L’Impero Invertito

Con la pieza de Abigail Child para el enorme Cryptoporticus subterráneo del AAR, L’impero Invertito, nos encontramos con su instalación más referente a una locación específica hasta el momento. Aquí, Child responde al lado más oscuro de Roma, el lado que emana poder y fortaleza militar, como también el Cryptoporticus en sí, donde los pasillos con arcos en sus finales se asimilan a las calles por las cuales los ejércitos –heráldicos o atacantes- entraron históricamente a Roma. El resultado es un video de proyección múltiple que convierte a las mujeres y niños (generalmente las víctimas de las guerras) en emperadores y triunfadores, haciéndolos contrastar con las escenas tanto antiguas como contemporáneas de las explotaciones expansionistas.

Programa 2: NARRATIVES BODIES

(Proyección sin subtítulos)
Duración total: 46’ + duración de Mirror World y If I Can Sing a Song about

Perils

USA, 1986
5’ / 16mm / b&n y color / sonido
Parte 6 de Is This What You Were Born For?

Perils es un homenaje al cine mudo –el choque entre la inocencia ambigua y la vileza poco sofisticada- donde dramatiza las posturas teatrales del melodrama para cuestionar y examinar nuestras ideas del romance, la acción y el drama. Child dice, “Hace tiempo que había pensado en un film compuesto únicamente por tomas de reacción en las que toda causalidad era borrada. Lo que quedaría sería la voluptuosidad resonante y sugerente de la historia y el rostro humano.” Charles Noyes y Christian Marclay construyeron el montaje de sonido utilizando dibujos animados de Warner Brothers e improvisando. Mark McElhatten

Mayhem

USA, 1978
20’ / 16mm / b&n / sonido
Parte 4 de Is This What You Were Born For?

A través de un catálogo de miradas, movimientos y gestos, Mayhem presenta un orden social descontrolado por la reconstrucción libidinal de las convenciones del cine negro. La sexualidad fluye en una atmósfera de tensión sexual, peligro, violencia y glamour; el antagonismo entre los sexos es simbolizado a través de los vestidos a lunares de las mujeres y a rayas de los hombres. Censurada en Japón por su uso de erotismo lésbico japonés, esta cinta crea un banco de imágenes de lo que significa lo sexual y la seducción en la historia de la producción de imágenes. Es así como logra trazar un camino en el que aprendemos acerca de nuestros cuerpos y cómo utilizarlos a partir de imágenes. Mark McElhatten

The Future Is Behind You

2004-05
21’

The Future Is Behind You crea una historia ficticia compuesta por un archivo familiar anónimo de Europa de los años treinta, reconstruido para enfatizar la aculturación de los géneros en dos hermanas que juegan, hacen carreras, se pelean, se besan y crecen juntas bajo la sombra de la historia por venir. Estoy mirando, como siempre, material encontrado, para encontrar la historia detrás de la historia. Aquí hay por lo menos tres niveles: 1) la película familiar en la que una familia de Alemania de los años treinta posa para la cámara cerca de la frontera con Suiza, sobrenaturalmente feliz. Generalmente, la madre es la directora de fotografía principal; 2) el momento histórico que permanece como un trazo en el texto, desestimando las imágenes y sirviendo como una intención oculta para la acción; 3) el desarrollo de las identidades de género –la inocente libertad de la mayor transformada en una “novia” socialmente marcada, la falta de represión de la menor fluctuando entre marimacho y una adulta desgarbada e insegura.

Biografía y ficción al mismo tiempo, historia y psicología, The Future Is Behind You exacerba gestos para explorar la seducción especulativa de la narrativa; busca generar un puente entre las historias públicas y privadas. La música es de John Zorn, arreglada y ejecutada por Sylvie Courvoisier y Mark Feldman.

Mirror World

2006
16mm a dvd, dvcam.
Con Gary Sullivan (parte de la Foreign Film Series) por Desire.

Una reestructuración del clásico de Bollywood de Mehboob Khan transformada en un comic y un estudio perturbador de las clases y la sexualidad. El trabajo formal y los subtítulos poéticos deconstruyen la narrativa para encontrar la subversión: la princesa se transforma en la criada, la criada se convierte en la reina. Mirror World arranca la causalidad narrativa y descubre a través de la impresión digital maneras para que naufraguemos en el caos de nuestras percepciones del mundo. Hipnótica y bella: no se le puede dar la espalda.

If I Can Sing a Song about

USA, 2009
Video Digital
Con Nada Gordon (parte de la Foreign Film Series) por Desire.

Tercera en la serie de Foreign films (Films extranjeros) explora las relaciones entre texto e imagen; cómo el texto se transforma en imagen. En (If I Can Sing A Song About) Ligatures, las palabras tomadas de las líneas de los poemas de amor no correspondido de Nada Gordon, quien a su vez toma oraciones de poemas anónimos de Internet, revelan una historia de la sexualidad. Ligatures pronuncia la viveza del deseo; su poder y su vulnerabilidad. Las mujeres son visiones, niñas, deseosas, delicadas, ilusorias. La naturaleza ilusoria se hace manifiesta y atraviesa fronteras, expectativas y límites físicos por poco. Nosotros, los espectadores, creamos nuestra propia identidad en el momento, nos quedamos paralizados.

Toma única - Buenos Aires

Inicio:

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Programa de cine experimental en Súper 8mm.

Duración aproximada: 40'

Toma única – Buenos Aires es una propuesta que surge de Arcoiris, laboratorio cinematográfico dedicado a los formatos de paso reducido. La consigna es sencilla: se convoca a varios realizadores -destacados por su búsqueda radical en la creación audiovisual-, se le entrega a cada uno un cartucho de película Super 8 con la invitación a realizar un nuevo trabajo íntegramente construido en cámara, sin otro proceso posterior del film más que aquellos que puedan darse durante el revelado. Esta será la primera edición de un proyecto que propone tener una secuencia anual. El grupo convocado delinea un heterogéneo arco de realizadores que garantiza un resultado final sólido, que planteará un mirada amplia del cine experimental, trazada desde diferentes perspectivas.

Piezas realizadas por Emiliano Cativa, Pablo Mazzolo, Paulo Pécora, Sergio Subero, Pablo Marín, Ernesto Baca, Gonzalo Egurza y Pablo Ziccarello.

A Shape of error Abigail Child

Inicio:

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USA/ITALIA, 2011
70’ / 16mm – dv / color.

A Shape of Error es una home-movie imaginaria sobre Mary y Percy Shelly, escritoras cuyas vidas anticipan lo moderno en su preocupación por las mujeres, el amor libre y el trabajo. Abigail Child vuelve a contar su historia usando estrategias desarrolladas en sus anteriores películas premiadas: películas familiares como sustrato, intertítulos para relacionar historias personales con la historia pública, voice-over como pensamiento privado –basado en los diarios de Mary Shelly y su hermana Claire-, y una banda sonora compleja con música original compuesta por Zeena Parkins. Child le pidió a no-actores que encarnen los famosos personajes de Mary, Percy, Claire y su amante Lord Byron en un escenario contemporáneo y filmados en 16mm. El resultado es un vistazo emocionante y visualmente apremiante de la vida de la escritora de ‘Frankenstein’.

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 5

Inicio:

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Jueves 1.11.12 18hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 103’

Dificultad y silencio Mario Opazo

Inicio:

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Obras en video de Mario Opazo (Profesor Nacional de Colombia). En presencia del artista.

Duración: 106’

Los límites que dejan de ser físicos y que se remiten a ser referencias políticas son el espacio para nuevas reflexiones en la obra de Mario Opazo, y seguramente de ahí es que surja tanto interés por las sociedades que se han preocupado por erigir límites físicos para evitar la amenaza ante su soberanía. La circunstancia del límite, del muro que protege y contiene, aparecerá entonces constantemente en la obra del artista señalando la inconsecuencia entre las condiciones del mundo contemporáneo que le exigen al hombre contemplar el nomadismo a diferencia de países que han erigido fronteras para impedir el desplazamiento y acogen el confinamiento como status vivendi.

El motivo más importante por el cual la obra de Opazo aparece descollante en la producción local es por su imposibilidad de identificación con un territorio; es decir que a diferencia de la obra de otros artistas contemporáneos, Opazo, desde dinámicas que han sido catalogadas como gestos micropolíticos toma una postura crítica que no alude a un territorio específico sino a una condición humana.

Christian Padilla, en Portátil: micropolíticas en la obra de Mario Opazo.

Boomerang
Colombia, 2003
3’ / DV / b&n / sonido

El hombre actual y su relación con el mundo, un mundo en el que cada vez se desdibuja más el limite entre lo natural y lo artificial, un mundo en el que establecemos practicas simultaneas con los átomos y los bytes, con lo análogo y lo digital, con la tecnología y lo orgánico.

En Boomerang, la acción plástica se orienta como sacrificio y resistencia, frente a un muro en el que impacta una roca de mármol lanzada por un hombre, esta piedra, se talla con herramientas comprendidas en el tiempo espacio, una acción violenta que habla simbólicamente del fracaso de la labor humana en búsqueda de la construcción de “progreso”. Aún implicando el cuerpo en una suerte de performance, esta acción es registrada por una cámara de video y luego editada para exaltar ahora sí, el acto de edición como un hecho preformativo, aún editando con un instrumento digital, el registro de la acción que implicó paisaje, cuerpo, labor humana, volumen, peso, fuerza y materia, no podemos desprenderlo del léxico y lenguaje de la escultura, este acto físico y concreto se encuentra del otro lado del espejo, atrapado en el instrumento digital del otro lado de la interfaz, donde es posible que materia sea otra cosa, que sucede y transcurre en un espacio y tiempo distinto, sin color, más lento, ingrávido, etc. pero que son espacio y tiempo al fin y al cabo.

Es evidente que mi proceso creativo se cimentó en la tradición de la escultura y que aún mi relación con este origen es tácita, tallar una piedra apelando al tiempo como herramienta no es más que el acto simple de detenerme a contemplar el gesto y no lo que resulta de este, es tallar en su instancia sustancial y primitiva, es la potencia y la energía la que protagonizan el hecho escultórico.

Canción de amor 2
Colombia, 2008
6’ / DV / color / sonido

Es un conjunto de videos que muestra acciones torpes y repetitivas frente a la cámara, en algunos casos con una intención de simple captura sin edición y en otras el aparato se hace parte de la gramática de la acción performativa. La imagen emerge en el encuentro de lo performativo y lo audiovisual, se exploran modos des/generados de gramáticas blandas, sin bordes entre lo que se hace frente a la cámara, el modo cómo se captura y el proceso de edición de estas capturas. En Canción de amor No. 2, la acción cobra sentido cuando se emplea la ceguera como herramienta para generar un gesto repetitivo, redundante y absurdo donde el riesgo frente a la caída y el reconocimiento del mundo a través de los demás sentidos y la virtualización del territorio cuando el plano físico desaparece.” Christian Padilla.

Olvido de arena
Colombia, 2006
7’ / DV / color / sonido

El artista vivió a orillas del río y de espaldas a él, y frente a la cámara de video cavó un hueco para enterrar y desenterrar una caja con la palabra olvido. Un trabajo de alguien a quien le interesan los grandes problemas ecológicos y políticos del país, y, no obstante, renuncia a ser un héroe y se refugia en acciones simples y repetitivas. Gestos individualistas al extremo, que sin embargo son un acto de micropolítica. En este video, al amplificar y volver más lento el sonido en la edición, el rumor del caudal se transformó en un protagonista expresivo, en una frase exagerada que obligaba al oído a recordar una naturaleza de la que nos acordamos muy poco. Él dice: ¿Los gestos absolutos, cavar, escribir sobre la arena, lanzar una piedra al agua o contra un muro, son a veces sustancias fugitivas que se filtran a través del tiempo. Estos gestos, aunque arcaicos, señalan el origen de la tecnología, el puro principio de todas las cosas. Son acciones primitivas que nos conectan con el mundo como puentes colgantes suspendidos de la memoria. Escribir en la arena un millón de palabras es escribir simplemente la palabra. Esta presentación muy corta de la obra de Mario Opazo, que deja por fuera casi toda su trayectoria, intenta proponer, como dije al principio, que este artista ha puesto las cosas en su lugar: la imagen, el texto, los objetos y la anécdota, y esto es así, porque toda la historia del arte contemporáneo la ha localizado en un espacio en tránsito atravesado por historias de viaje y deudas de infancia. Natalia Gutiérrez

Scarabeus sacer
Chile, 2007
9’ / DV / color / sonido

Video que muestra una acción reiterativa y absurda en el paisaje, una acción necia, sin sentido y representada como reiteración del caminar, un ascenso sin fin por una montaña de arena, un gesto simbólico que sintetiza y hace metáfora entre la búsqueda del progreso como una obstinación de las civilizaciones y el andar del Escarabajo Pelotero (Scarabeus Sacer), el hombre que intenta ir hacia arriba en un terreno estéril e insulso y se enfrenta al fracaso de una escalada torpe y débil, donde su idea territorial se ha desvanecido, sin puntos de apoyo sólidos, frente a condiciones del medio ambiente social que arremeten implacable en contra de la vulnerabilidad de lo humano.

Mar de la tranquilidad
Colombia y Chile, 2007
13’ / DV / b&n / sonido

Soy contemporáneo del alunizaje, nací un mes después de este evento, mi padre vio la llegada del hombre a la Luna por T.V. Nací y ya esa puerta estaba abierta, el umbral se me tornó a lo largo de los años, en una metáfora de la errante y solitaria navegación posmoderna, metáfora del estado de soledad contemporáneo, representado en la pérdida del contacto, en la desconexión del astronauta norteamericano Mike Collins durante el alunizaje El umbral de la paradoja de nuestra época nace en la órbita de la luna, se hace presente aquello que expone los avances de la ciencia, la tecnología y las telecomunicaciones, atravesado por la piedra que no transmite, la roca que es el origen sólido y denso de la naturaleza bruta, se interpone entre los hombres la contingencia oscura del tiempo sin forma, los separa aún en una era de completa conectividad o de promesa de llevarse al máximo, la naturaleza como Luna que hace eclipse entre los hombres, como aquello incomprendido que nos separa, como aquel satélite que nos atrae a su lejana condición pero que ala vez vemos desde acá compartiendo el mismo ojo colectivo. Esta obra es un video poema que se deja atravesar por estas meditaciones e imágenes en torno al nacimiento de la soledad posmoderna.

Adán
Colombia, 2010
6’ / HD / color / sin sonido

Durante un viaje me detuve a grabar en secreto a dos hombres: padre e hijo. El más joven padece de una enfermedad cerebral que lo mantiene atento al mundo con una extraña expresión de sorpresa ante todo lo que lo circunda, la naturaleza es su mayor sorpresa. Mi primera sensación fue la de estar frente a un hombre nuevo, un ser amoroso, inocente, apenas expulsado del paraíso. Un hombre nuevo en el mundo, mundo que no conoce.

La figura del Paraíso había estado presente desde hace años en mi inventario de referencias, en mi archivo, pero nunca antes había comprobado la expulsión en una dimensión lingüística, el joven no puede hablar, su voz es eso, más una “thonos”, un grito, un balbuceo que nos acerca a una elocuencia arcaica, originaria.

Su padre, se muestra satisfecho, contempla con gratitud cada cosa a su lado, descansa y sabe que a su lado cuenta con la grandeza de su propia creación.

Piel
Argelia, 2009
5’ / HDV / color / sonido

Este vídeo fue realizado en los campos de refugiados saharauis en el suroeste de Argelia. La obra presenta dos performances realizadas en el desierto. La primera consiste, por un lado, en un relato del autor, en el que describe cómo su madre le salvó la vida envolviéndolo con una bandera chilena durante el golpe de Estado del

general Pinochet, el autor-personaje, se cubre los ojos con la bandera de su país. La segunda acción consiste en la imposición de un turbante por parte de uno de los guerreros saharauis, seguido por el autor, que marca a través de este ritual su apoyo a la lucha por la causa sahariana. Este vídeo forma parte de un proyecto más grande que reúne diversas performances y vídeos y, entre ellos, un largometraje (actualmente en montaje) que será terminado el próximo diciembre. Las obras de artista son acciones de resistencia y de advertencia en un paisaje visto como escena política, que intentan atacar y disuadir la injusticia de las grandes naciones sobre las más pequeñas.

Solo de violín
Chile, 2010
17’ / Súper HD / color / sonido

En los años 70s algunos hombres del Sur del continente (Chile y Argentina) fueron desterrados a las islas del fin del mundo, nunca regresaron, allí el paisaje tiene nombres tristes: Golfo de Penas, Bahía Última Esperanza, Isla del Muerto, Península de la Desilusión. El viento joven y fuerte busca a los desaparecidos con furia, a veces grita sus nombres y los escribe en el aire de Bahía Inútil.

“Bahía Inútil” es el lugar en el fin del mundo, donde los mares se encuentran, la tierra termina y los hombres aparecen como acordes en el viento.

Allí en Bahía Inútil, durante varios meses realicé performances registrándolos en video, se trata de acciones poéticas que evocan la memoria del fin del mundo, testigo de la dictaduras del Sur. Esta es una de esas acciones, consiste en elevar por el aire un violín para que sea animado por el viento y así capturar sus sonidos al ser golpeado por el arco en las cuerdas. Se trata de una acción de un conjunto mayor de acciones que activan dispositivos sonoros en el paisaje de la Patagonia como metáfora de las voces de los desaparecidos.

Los anillos de Saturno
Chile y Argentina, 2010
40’ / Súper HD / color / sonido

Un viaje como un movimiento que transforma pero que lleva al mismo punto, un desenvolvimiento en una órbita poética, los anillos de saturno entendidos en el descubrimiento de los ciclos de la memoria, que se fortalecen en cada curva, pero que hacen del pasado un material retro activo, potenciando el derecho al futuro que cuando llega ya es pasado.

Los Anillos de Saturno es el título que el escritor Alemán radicado en Inglaterra W. G. Sebald le otorga a su novela escrita tras un viaje a pie por caseríos costeros y lejanos de Inglaterra. El primer párrafo de la novela dice: “En agosto de 1992, cuando la canícula se acercaba a su fin, emprendí un viaje a pie a través del condado de Suffolk, al este de Inglaterra, con la esperanza de poder huir del vacío que se estaba propagando en mí después de haber concluido un trabajo importante. Esta esperanza se cumplió hasta cierto punto, ya que raras veces me he sentido tan independiente como entonces, caminando horas y días enteros por las comarcas, en parte pobladas sólo escasamente, junto a la orilla del mar.”

Obras en video Ruti Sela

Inicio:

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Duración total: 68’

Con la presencia de la artista

La obra de Ruti Sela gira en torno al colapso de preceptos generado a partir de una fusión entre el lenguaje del documental y la puesta en escena de intervenciones que intentan desafiar las maneras en que las estructuras de poder y los conceptos políticos son llevados a cabo y vivenciados. Sus puntos de partida son los lugares de ruptura entre diferentes perspectivas, estados mentales, estructuras autoritarias, intencionalidad, intereses y la ética. Sela sigue la diversidad de maneras en que estas relaciones y mecanismos son registrados, mientras su trabajo incluye diferentes intervenciones y apropiaciones que aspiran a remodelar los ejes de poder, las narraciones, jerarquías, apariencias y mecanismos de integración.

The Witness (El Testigo)
2012
10’

Este trabajo fue creado en el marco de la exhibición “Momentos. Una Historia de la Performance en 10 Actos”: una exhibición internacional de la historia del performance art en la danza y las bellas artes. En el museo ZKM, Alemania. El punto de partida de esta exhibición fue el interés en el proceso de rendir cuentas a la historia, en las llamadas re-representaciones de performances históricas.

El Palabrero
2010
35’

Tres días de encuentros con mi pabre Ruben Kanalenstein luego de ocho años de distanciamiento. Este trabajo explora las diferentes articulaciones de Unheimlich, Falta de Hogar y Paternidad.

Pride Parade (Desfile del Orgullo)
2005
3’

Filmado en el primer Desfile del Orgullo en Jerusalem, Israel. El trabajo reconstruye el desfile enfocando únicamente a los manifestantes religiosos en contra del mismo, convirtiendo sus declaraciones de resistencia en monólogos auto referenciales.

Beyond Guilt #2 (Más allá de la Culpa)
Ruti Sela & Maayan Amir
2004
18’

La segunda parte de una Trilogía. El trabajo aborda el socavamiento en la relación de poder entre fotógrafo y fotografiado, hombres y mujeres, sujeto y objeto: mientras alude al enmarañamiento entre el militarismo y la sexualidad. (Colaboración con Maayan Amir).

Steps (Pasos)
2006
2’

La artista incrusta una moneda de ½ Shekel en sus zapatos, transformándolos en zapatos para step. Representando un baile, el trabajo propone un diferente punto de entrada a cuestiones de danza, espectáculo, contorciones y sexualidad.

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 3

Inicio:

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Miércoles 31.10.12 20hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 110´

Filmarmalade presenta Assemblers, Cutters, Poseurs, A Boulder, Object petit a, Lehrstücke, Anomie y The Great Game Curado por Gordon Shrigley

Inicio:

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Programa de Filmarmalade, curado por Gordon Shrigley, representando a IMT Gallery, London

Duración total: 180’

Filmarmalade presenta una serie de artistas contemporáneos del Reino Unido. Films y videos que se comprometen radicalmente con cuestiones sobre la naturaleza inestable de la identidad nacional y personal. Cada trabajo refleja una relación híbrida con el medio, la técnica y el estilo, desafiando el vínculo entre forma e idea para crear nuevas versiones de un Kunstwollen moderno.

Cut
Kristian De La Riva
UK, 2006/09.
3’ / Dibujo animado

Cut, de Kristian De La Riva, explora el sentido del trauma experimentado después de una pérdida personal importante, a través del desmembramiento estilizado de un alter ego animado del artista, como una estrategia radical de separarse de aquello que nos lastima.

Kristian De La Riva ha exhibido recientemente su trabajo en la BCA Gallery, Bedford Globe Gallery, Newcastle, Oriel Davies Gallery, Powys y en Patrick Heide Contemporary Art, London. Nació en el Reino Unido y vive y trabaja en Londres.

Why Colonel Bunny Was Killed
Miranda Pennell
UK, 2010
27’ / HD / b&n / sonido

Why Colonel Bunny Was Killed, de Miranda Pennell, narra las memorias de 1908 de Theodore Leighton Pennell entre las tribus salvajes de la frontera afgana. A través de un ensayo fílmico construido enteramente con fotografías de época, examinadas de manera forense y sondeadas por la cámara, Pennell revela la belleza y el encanto de la vida en el ejército de la frontera noroeste de las Indias Británicas, mientras que los afganos ocupan el fondo sombrío del nitrato y observan una desventura colonial más.

Miranda Pennell recientemente estrenó su trabajo en el Glasgow Short Film Festival, el Oberhausen Kurzfilmtage, Alemania, el London Film Festival y fue premiada como Mejor Film/Video Internacional 2011, en el Courtisane Festival of Film, Ghent. Nació en el Reino Unido y vive y trabaja en Londres.

By The Grace Of God
Ralitza Petrova
UK, 2009
37’ / 16mm y Hi8 / color / sonido

By The Grace Of God, de Ralitza Petrova, sigue la trágica odisea del personaje de Jürgen, cuyo intento de contactarse a su madre imaginaria, la Reina de Inglaterra, lo lleva a una crisis personal de aporía. El film de Petrova retrata a Jürgen como un marginal atormentado, enfermo de comodidad respecto a los trabajos de la vida contemporánea, que está destinado a ser un “hombre fuera del tiempo”, un don nadie buscando sus héroes iluminados.

Ralitza Petrova recientemente exhibió su trabajo en el Festival Internacional de Cannes, el Berlin Film Festival, Festival Signes de Nuit, Paris y en el Rio International Film Festival. Nació en Bulgaria y vive y trabaja en Londres.

Ontologically Anxious Organism, Episodios, 1, 2 & 3
UK, 2011/12
1:30’, 3’, 3’ / Animación & HDV / color / sonido

Let Me Feel Your Finger First’s Ontologically Anxious Organism, narra la experiencia de un personaje animado quien, nervioso respecto al concepto de personaje en sí mimo, se disfraza de roca. Los tres episodios siguen a las rocas a través de una serie de escenas de animación mientras que él lidia con su existencia, encuentra su marca y finalmente se escabulle fuera del espacio del plano para alcanzar una última referencia.

Let Me Feel Your Finger First exhibió recientemente sus trabajos en el Institute of Contemporary Art, London, la Royal Academy, London, Studio 1.1 Gallery, London, la Whitechapel Gallery, London y en el Seoul International Cartoon & Animation Festival. Nació en el Reino Unido y vive y trabaja en Londres.

The Exception and the Rule
Karen Mirza y Brad Butler
UK/India/Pakistan, 2009
37’ / Digi Beta, DVcam / b&n y color / sonido

The Exception and the Rule, de Mirza/Butler, filmado en Pakistan y la India, es un complejo bricolage de experimentos formales, narrativas superpuestas, operadores de ficción y citas performáticas que exploran el concepto bretchiano de Lehrstücke, para contestar la pregunta a la vez simple y urgente de “Qué significa hacer un film político?”. The Exception and the Rule complementa el proyecto de Mirza y Butler The Museum of Non Participation, que provee un espacio para talleres, publicaciones comunitarias, intervenciones callejeras, clases de idioma y seminarios públicos a través de sus manifestaciones en Karachi y Londres.

Mirza/Butler han exhibido recientemente su trabajo en Arnolfini, Bristol, Monika Sprüth Philomene Magers, London, la Whitechapel Art Gallery, London, Kunsthaus, Zurich, la Architecture and Film Biennale, Graz, el Serpentine Pavilion y la Thomas Dane Gallery, London. Mirza/Butler también fundaron el espacio de producción fílmica artística no.w.here y viven y trabajan en Londres.

Our Relationships will become Radiant
James Lowne
UK, 2011
8:52’ / Animación / color / sonido

Our Relationships will become Radiant, de James Lowne, nos invita a asistir a un sueño digital, un paisaje demoníaco y sofocante, donde un caballo corre sin moverse, un hombre vomita bilis negra, un plato de comida transpira mientras que un rostro parecido a un dios flota benéficamente en el cielo. Esta ocurrencia extraña permite a Lowne crear un espacio de oblicua anomia, un mundo donde los gestos efímeros alcanzan sentido solamente al ser repetidos sin cesar.

James Lowne estrenó su trabajo recientemente en la Tap Gallery, Southend on Sea, el British Film Institute, London, el BHVU Gallery, London, el Zero Film Festival, Toronto y en Animasivo, Poplar University Museum, Mexico. Nació en el Reino Unido y vive y trabaja en Londres.

Música para un film perdido
Luciano Zubillaga
UK, 2009
29’ / 35mm, 4K, 3K, HD, H264 y DV / b&n y color / sonido

Música para un film perdido, de Luciano Zubillaga, sigue los restos espirituales y materiales del film perdido El Huerco hecho en Venezuela en 1964, a través de explorar la estética de la restauración, reconstrucción y montaje en el contexto de una memoria colectiva que se desdibuja. Los fotogramas sobrevivientes del film, con la música original otorgan una base sobre la cual Zubillaga crea un complejo mundo de pérdidas, remembranzas e interrogaciones.

Luciano Zubillaga recientemente exhibió su trabajo en el BAFICI, en el MAMBA, y la Whitechapel Art Gallery, London. Nació en Argentina y vive y trabaja en Londres.

Remake
Adam Roberts
UK, 2011
30’ / Súper 8 / b&n / sonido

Remake, de Adam Roberts, vuelve a filmar la película de terror italiana de 1960 Seddok, l'erede di Satana de Anton Giulio Majano. Lo hace escena por escena con la banda sonora doblada al inglés, pero minimizando la presencia de los personajes del film. La historia se centra en una stripper que después de ser desfigurada en un accidente de auto, contempla suicidarse hasta que conoce al Profesor Levin. El le ofrece curarla con una droga atómica secretamente desarrollada que puede regenerar su piel dañada pero que produce escalofriantes resultados a partir de que el amor que Levin siente por ella crece y lo lleva a cometer sangrientos asesinatos.

Adam Roberts recientemente estrenó su trabajo en la Hayward Gallery, London, Performatica, Mexico, el Zodiak Festival, Helsinki, the Filmhuis, Den Haag y en Todds Gallery, Hastings. Nació en Colombia y vive y trabaja en Londres.

Obras en video y registro de instalaciones Claudia Aravena

Inicio:

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La artista chilena Claudia Aravena realizará un recorrido por sus últimos trabajos de manera comentada: videos monocanal y documentación de instalaciones.

Mis trabajos giran en torno a los conceptos de origen, migración, pertenencia, memoria cultural y construcción identitaria. Mi preocupación es mostrar la distancia como posición existencial, que se representa como un espacio subjetivo desde el cual se reconstruye constantemente cualquier idea de pertenencia, identidad, tradición y recuerdo.

Claudia Aravena

Pasajes Curado por Lauren Howes

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Duración total: 52’

Pasajes es un programa de films contemporáneos del catálogo del Canadian Filmmakers Distribution Centre. Con esta colección de películas, Pasajes hace referencia no solamente al proceso por el cual el tiempo pasa, sino también al movimiento, al intercambio y a varios canales que nos conducen a través de la geografía de lugar en lugar, desde un paisaje de composiciones arquitectónicas a la inmensidad del mar. Este programa es un viaje que combina la materialidad del fílmico, abstracción visual y sutiles alusiones a nuestro mundo frágil.

Lauren Howes

A+

Nobu Adilman
Canada, 2012
6’ / video / color / sonido

El cine haya sus cuentas en un libro de contabilidad inusual, cuyas líneas y tabulaciones encubren el mayor amor de todos.

Nobu Adilman es realizador, actor, escritor y músico. Vive y trabaja en Toronto.

Sing As We Go (Canta mientras vamos)

Marianna Milhorat
Canada, 2011
5’30” / video / color / sonido

La luz titubeante de la ciudad es a la vez su pulso y su extinción. Una voz resuena con finalidad insegura, sobre fundaciones poco firmes.

Marianna Milhorat es una realizadora de Montreal, proveniente de Vermont, USA. Recibió su título de licenciada en bellas artes de la Mel Hoppenheim School of Cinema en Concordia University en el 2007. Trabaja en 16mm. Sus películas utilizan los paisajes y la duración para alterar y transformar las nociones de espacio y perspectiva.

Burning Star (Estrella Fugaz)

Joshua Gen Solondz
USA, 2012
4:05’ / video / color / sonido

Dedicado a mi padre, que pidió que haga un trabajo más colorido. Producido durante mi residencia en el ahora difunto Experimental Television Center, Burning Star es una colorida explosión/implosión de una estrella de doce puntas. El título se refiere a “A Burning Star” de Kenji Onishi. Joshua Gen Solondz

Joshua Gen Solondz es un artista medial, realizador y músico. Sus trabajos fueron presentados en DCTV, Light Industry, Artists' Television Access, HBC Berlin, Harvard Film Archive, UnionDocs, y el Parsons Hall Project Space. La obra de Josh fue también exhibida en el Image Festival de Toronto en el 2011 como también en la edición del 2010 del Documentary Fortnight en el MOMA. Asociándose con Emma Brenner Malin, Josh programó e introdujo la película de explotación infantil Child Bride of the Ozarks en Light Industry en Febrero del 2010. Josh completó recientemente una residencia de artista con su amigo y colaborador Jim Supanick en el Experimental Television Center en Owego, NY para el proyecto en curso Synthhumpers. Josh se graduó en el Bard College en el 2008, vive en Brooklyn y ama a los gatos.

Portrait de la Place Ville Marie (Retrato de la Place Ville Marie)

Alexandre Larose
Canada, 2011
3’30” / 16mm / color/ muda

Un retrato gráfico y mareante de la Place Ville Marie en Montreal, Canada. Originalmente registrada en Super 8 y editada en cámara, llevada a 16mm para su exhibición.

Alexandre Larose es un cineasta franco-canadiense que vive y trabaja en Montreal. Incorpora elementos de abordaje científico a su obra con el fin de expresar y revelar la fragilidad del aparato cinematográfico a través del tratamiento formal del medio.

Barge Dirth

Lindsay McIntyre
Canada, 2010
7’ / 16mm / b&n / sonido

Construido en 1972, The Rothesay Carrier, uno de los más grandes navíos marítimos de su tipo jamás construidos, pasa un largo y solitario año atrapado por hielo en una aldea del Ártico canadiense. Subsecuente a la filmación de este material, fue desmantelado y fundido como chatarra. Un retrato-estudio de un objeto explorado a través de la estructura del montaje y la estructura del objeto en sí.

Lindsay Mclntyre es un artista fílmico y un creador de Edmonton, Alberta. Completó un master en bellas artes en la Film Production de Concordia University en Montreal y también obtuvo una licenciatura en bellas artes de dibujo y pintura de la University of Arizona. También estudió en el Kent Institute of Art and Design en Inglaterra y en la New School en Nueva York.

Especializándose en el trabajo con fílmico analógico que hace hincapié en técnicas documentales, experimentales y manuales, su obra ha sido exhibida en festivales y lugares de reunión nacionales e internacionales, donde ganó algunos premios. Sus cortometrajes a veces giran alrededor del retrato, el lugar y la forma. También hace performances con proyecciones fílmicas. Generalmente prefiere hacer las cosas de la forma más difícil, y sus actuales obsesiones fílmicas incluyen emulsiones caseras y todo tipo de manipulación química del celuloide.

The tide goes in, the tide goes out (La marea sube, la marea baja)

Larissa Fan
Canada, 2012
5’30” / 16mm / b&n

Una oda procesada manualmente, en blanco y negro, al secreto mundo de la medusa luna (Aurelia aurita). The tide goes in, the tide goes out revela las cualidades materiales y químicas del medio fílmico, con la fragilidad del film y el reflejo de medusa.

Larissa Fan es una realizadora que vive y trabaja en Toronto cuya obra explora las cualidades materiales del fílmico y comprometida tanto con lo natural como con lo urbano. Sus filmes fueron exhibidos internacionalmente incluyendo el Images Festival (Toronto), Anthology Film Archives (Nueva York) y Kunstencentrum Buda (Bélgica).

The Occupant

Elise Simard
Canada 2006
5” / 35mm / color

“Mientras más lejos te vayas, más cerca de casa estarás…es cierto por la geografía…” Ahora que ella ha recorrido mar y tierra, la pequeña Romny está a punto de encontrarse con el grado número 360 de su trayectoria. Reflexiona acerca de su viaje y enfrenta su deber de continuar.

Mientras completaba su licenciatura en Bellas Artes en la Concordia University en Montreal, Elisa Simard se encontró con la animación en fílmico –un medio artístico que, desde entonces, se ha convertido en su emprendimiento. Desde entonces, ha producido cuatro cortometrajes animados: The Occupant (2007), As Above So Below (2009), Afloat at Dawn (2009) y La Traversée (2010). Actualmente dirige una película animada en el National Film Board of Canada.

A little prayer (H.E.L.P.) (Una pequeña plegaria (A.Y.U.D.A))

Louise Bourque
Canada, 2011
8” / 35mm / color

“Imágenes de Houdini envuelto en cadenas parpadean y giran entre marcas de laceración creadas a través de procesamiento manual.” Vanessa O’Neil.

Las imágenes de Houdini encadenado e intentando liberarse: el stop-y-start (interrupción-repetición) de sus acciones; el alto contraste de las imágenes; el efecto estroboscópico generado por el ritmo del obturador; las hendiduras en la emulsión del procesamiento manual, combinados con las capas de sonido, evocan la violencia de un alma atormentada en busca de escape. NB: mírese en oscuridad total para apreciar el efecto de parpadeo en su totalidad.

Louise Bourque es un realizador franco-acadiano canadiense que vive en Boston, donde enseña cine. Sus películas han sido presentadas en cuarenta países en cinco continentes. Sus proyecciones en festivales internacionales incluyen Sundance, Rotterdam, Toronto, Tribeca, San Francisco, Kerala, Sao Paolo, Hong Kong, Melbourne y Londres. Sus trasmisiones estadounidenses incluyen PBS y el Sundance Channel. La obra de Bourque fue presentada en el 50va edición del Robert Flaherty Film Seminar y como parte de la Whitney Biennial del 2006. También fue parte de exhibiciones personales en la Mount Saint Vincent University, Halifax; el Millennium Film Workshop, New York; la Cinematheque de Ontario, Toronto; y el Hallwalls Contemporary Arts Center, Buffalo.

Sea series#10 (Serie marítima#10)

John Price
Canada, 2011
9’ / 35mm / color

Una respuesta al desastre nuclear de Fukushima, sea series #10 fue filmada usando tecnología antigua en Benchfront Park cerca de la central nuclear Pickering en Ontario, Canadá. Fue procesada parcialmente con agua proveniente del lago.

John Price es un realizador que vive y trabaja en Toronto. Realizó documentales experimentales, filmes de danza, y filmes diario desde 1986. También es un director de fotografía activo: ha trabajado para directores tales como Bruce Macdonald, Peter Lynch, Annette Mangaard y Mike Hoolboom, entre otros.

Vive Le Film

Madi Piller
Canada, 2006
2’13” / 35mm / color

Vive le Film celebra el medio fílmico y su capacidad para preservar los recuerdos. En el medio del film hay una fotografía de los abuelos rumanos de la realizadora, tomada en su fiesta de compromiso en 1927. Para el final de la segunda guerra mundial eran los únicos miembros sobrevivientes del grupo retratado en la fotografía.

Madi Piller es una realizadora que vive y trabaja en Toronto, nacida en Lima, Perú. Graduada en la Universidad de Lima en Ciencias de la Comunicación, comenzó su carrera en publicidad, desempeñándose como productora de publicidades televisivas para una gran variedad de productos. En 1988, Madi se mudó a Toronto y comenzó a trabajar con la comunidad de filmes independientes; realizó cortometrajes experimentales, programación y fue mentora de proyectos. Sus filmes han sido exhibidos en muchos festivales y lugares a lo largo de Canadá y en el exterior. Su obra ha sido producida con el apoyo del Ontario Arts Council, el Toronto Arts Council, Liaison of Independent Filmmakers of Toronto y el National Film Board of Canada. La admiración de Madi por el arte de la animación la ha motivado a servir como presidente voluntaria de Toronto Animated.

Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana Programa 1

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Miércoles 31.10.12 16:30hs | Centro Cultural General San Martín (CCGSM I) Duración: 70´